dimanche 28 décembre 2008
Altered States
Le scientifique Eddie Jessup (William Hurt) croit fermement à d'autres stades de la conscience aussi réels que la réalité quotidienne que nous percevons. Utilisant un caisson isolé privant toute facultées sensorielles en y ajoutant de puissantes drogues hallucinogènes, il commence à explorer d'autres perceptions.... Qui commencent dangereusement à le changer...
Avant toutes choses, je m'excuse du peu d'images de qualité à fournir vu que le film n'existe qu'en zone 1 assez rare à trouver et que si mon lecteur dvd est bien dézoné pour lire toutes les zones de n'importe quel pays, ce n'est certainement pas le cas de mon pauvre ordinateur qui ne lit que des zones 2 (france, japon, Angleterre, Canada). Du coup je n'ai hélas pu faire aucune capture d'écran à proprement parler de ce film étrange et très intéressant à mi-chemin entre le fantastique, le drame et l'horreur pure et j'ai dû piocher à droite, à gauche sur des sites aussi divers et intéressants que pauvres et moyens. Je ne sais pas si je l'ai déjà dit et ça a tendance à me froisser mais je trouve peu de sites ou blogs qui proposent des captures de films intéressantes, qui donnent envie de le voir, qui font baver, qui mettent en avant sa plastique, son sens du visuel ou décomposent un mouvement, son ouverture (un site intéressant sur les ouvertures de films ici néanmoins)... Généralement on a droit à des captures de films banalement dignes de certains magasines de film, c'est dire. C'est nous qui avons la maîtrise de l'internet les gens, faut pas hésiter, voyons ! Allez, allez, hop, hop, on est cinéphiles, on est passionnés, on veut montrer nos petits chouchous, nos Bogarts, nos Indys, nos aliens du placard ! 
Il est d'autant plus frustrant que mes images trouvées ne rendent aucunement compte du film qui dans ses effets spéciaux (assez hallucinants malgré un montage parfois clippesque) tente (et y parvient presque avec une certaine maestria) d'atteindre le niveau visuel de la séquence aux étoiles de la dernière partie de 2001 de Kubrick. Mais bon, tant pis, on fera avec. C'est comme essayer de raconter un sketch de Desproges ou Coluche alors qu'on y a pas assistés et que c'est un copain qui nous a tout racontés, c'est dire la difficulté de cette chronique.
La couverture signée du talentueux George Underwood. Ses oeuvres valent le coup d'oeil.
Adaptant le livre, devenu assez rare, de Paddy Chayefsky en 1980, presque 10 ans après sa sortie et dans son style grandiloquant et baroque, Ken Russell ("Tommy" des Who en film) tient pourtant à respecter l'époque si propice à l'histoire, celle de 1969 sur la côté ouest, le temps des drogues et du LSD. Altered States (Au délà du réel en français, cf affiche en addendum plus bas) ne s'en cache pas, c'est un film sur la drogue. Pas celle qui se s'injecte dans les veines comme chez Burroughs (Junkie, Le festin nu...) pour créer la dépendance, le bien-être (...et la mort) mais plus l'Acide et le LSD qui provoquent des altérations diverses des synapses, occasionnant selon chacun un ralentissement (ou accélération) des perceptions, des hallucinations, des trips divers qui peuvent sacrément secouer. Certains ont eu très peur (Philip.K.Dick raconte avoir vu un visage qui le suivait partout, ne le quittait pas pendant plusieurs jours, expérience ressentie par les paumés du terrible "Substance Mort" où Dick, dans l'autobiographie SF la plus sincère et douloureuse ne fait que raconter, à peine maquillée, sa vie et celle de ses amis de l'époque à Orange County en Californie), d'autres ne sont jamais revenus (Syd Barrett, le regretté ancien leader guitariste des Pink Floyd).
"Scully, je les ai vus, j'te dis.
_ Mais oui Mulder, mais oui. Allez, maintenant, prends ton xanax ©, un suppo' et au dodo."
Altered States est un film qui se partage donc entre divers registres de genres comme la SF (les hallucinations mystiques avec ou sans les étoiles, les sauts dans le temps que subit mentalement/physiquement Jessup dans la seconde partie du film), le fantastique et l'horreur pure (les transformations de Jessup qui à la fin font vraiment peur) alternant avec le drame. Drame parce qu'avant tout, sous le vernis horrifique/SF, c'est tout bonnement l'histoire d'un homme qui, suite à la mort de son père d'un cancer à renié sa foi chrétienne pour se réfugier dans le savoir scientifique pour en revenir à la question : qu'y a t'il derrière la conscience ? Et si ce que l'on nomme dieu ou une quelconque divinité n'était pas plutôt la résultante de nos consciences qui ont peur de l'espace, du vide, de ce qu'il y a dans les ténèbres, par délà la mort et nos pensées ? Du fait qu'il veut des réponses pour trouver un sens à sa vie et à la destinée humaine, Jessup s'enferme dangereusement dans ses expériences sans s'apercevoir (mais nous on le voit) qu'il adopte de plus en plus les comportements du drogué dangereusement en manque : pas de recul, la volonté d'aller toujours plus loin, les doses plus fortes, se dépasser jusqu'a briser les limites...
Je flotte au milieu des nuages avec des poissons dans le ciel. Tout va trèèèès bien.
C'est aussi un drame au sens où l'on voit la terrible déchéance d'un homme (les films préventifs sur la drogue devraient toujours intégrer les visions du junkie, quitte à basculer dans l'horreur pure, pour mieux nous montrer la gravité de la situation (*)) face à la femme qui l'aime à la folie (Blair Brown, actrice talentueuse que je découvre ici), qui l'a toujours aimé. Lui, il ne comprend pas ce qu'est l'amour, il ne peut le rationnaliser, ça lui échappe là où il a des résultats significatifs sur le cobaye qu'il est dans ses propres expériences. Elle, elle l'aime plus que tout, sa folie, son côté doux tout en étant timide et fort, son intelligence. Sans qu'ils le sachent, c'est de son amour que pourra naître une once d'espoir d'en réechapper, parce que jusqu'au bout et même si elle est contre les expériences qui deviennent de plus en plus inquiétantes et terrifiantes, elle le suivra...
L'affiche japonaise. On se croirait devant un Stuart Gordon (les Portes de l'au-délà --from beyond--), c'est rigolo. Malheuresement ça spoile certaines choses du film, enfin bon...
Si dans sa première partie, Jessup a certaines visions mystiques inquiétantes (une bible imprégnée de sang, un bouc aux nombreux yeux échappés de chez Dick...), la part de réalité reste alors une balise sûre pour le spectateur. Le temps passe, Eddie se marie avec la femme qu'il aime. On sent que ça ne va pas durer. Celà ne dure pas en effet. Mais c'est lui qui a demandé le divorce alors qu'elle, elle l'aime desespérement. Il y a des ellipses, on s'en aperçoit qu'en voyant leur petite fille (Drew Barrimore, premier rôle, 2 ans avant E.T !). Il veut poursuivre ses expériences. Puis il part au Mexique et teste des drogues que même Blueberry ne testerait pas parce que ça fait bien peur (et là je regrette de ne pas pouvoir prendre des captures, les scènes mêmes clippesques à cause du montage font penser à un clip de Peter Gabriel et puis il y a des choses très belles comme sa vision, alors qu'il est isolé dans le désert, de sa femme nue, dans une position allongée mais avec le buste relevé, comme un sphinx. Pas un mot, pas une parole ne se passent et Jessup s'allonge alors lentement tandis qu'un vent violent se lève pour lentement les recouvrir de sable. Dit comme ça, ça n'a l'air de rien mais cette scène, de par sa poésie et sa composition --digne d'un rêve surréaliste-- fascine comme l'ensemble de tout le film). Rentré chez lui, il créera une synthèse de ces drogues champignonneuses pour les incorporer à son caisson isolé.
Et c'est là que tout bascule lentement dans la folie noire et pure.
Le caisson de Jessup, quasi-immergé. ça donne pas très envie de prendre des drogues, hein ? 
La folie, j'exagère. On a un film sur les drogues et avec un sujet de ce genre, autant aller jusqu'au bout, Russell s'en frotte les mains, il y va, il a des couilles et nous on tremble. Parce qu'a force de chercher une conscience primitive au plus profond de nos cellules, Jessup regresse de plus en plus à l'état de primate. Mentalement, il décriera au micro à travers son caisson, être en train de chasser une antilope puis la manger, goûtant la satisfaction totale que lui procura cet acte primaire et bestial. Puis, c'est l'état des cellules du corps humain qui iront dangeresement en arrière par la suite. Une nuit, Jessup se réveille, son bras est parcouru de fourmillements bizarres et quand il va se rafraîchir, son nez éclate en sang comme si toute sa configuration cranienne changeait brutalement. Prenant une douche, il remarquera que ses pieds ne sont plus humains mais un mixe entre l'humain et l'australopithèque (il y a toujours le gros orteil --la partie humaine-- mais un orteil écarté y a poussé par dessus !). Malaise. Puis plus rien. Des hallucinations ? Des scans de ses collègues inquiéts révèleront bien l'horrible vérité, à savoir que non, c'est bien en train d'arriver, ça bouge là dedans. Mais Jessup n'a aucun recul, il veut continuer, aller jusqu'au bout.
Un soir, sans que ses proches ne le sachent, il s'immerge dans le caisson.
C'est une main horriblement poilue et des grognements gutturaux qui le rouvriront lentement.... 
S'il n'est pas exempt de défauts certains (le montage parfois tarabiscoté), le film fascine par son ambiance inquiétante et poétique et ne laisse personne indifférent. Grand film méconnu à redécouvrir donc.
Addendum.
L'affiche française, assez fidèle.
Des images du film qui ne rendent pas vraiment compte de ce qu'il est sauf pour deux, trois. (cliquouillez pour voir en plus grand)
(*) Je me répète aussi sans doute pour ceux qui ont parcouru mon blog de fond en comble comme l'ami Paul mais je ne considère pas Requiem for a dream comme un grand film sur la drogue. Mais un film comique à force de son sérieux de bon élève appliqué, de son grotesque, de son clippage, de sa caricature "d'honnêtes gens de l'amérique qui oulàlà, trop dure la vie, c'est sordide parfois ma bonne dame", oui par contre. Je me suis jamais autant marré devant ce film. On est à mille lieues de la claque monumentale que je m'étais prise en lisant le terrifiant festin nu de Burroughs, que j'en avais les jambes qui tremblaient en sortant du train chaque matin en allant à mon lycée et que je manquais de m'effondrer quand je ne commencais pas à être en pleurs.
dimanche 15 juin 2008
Les clowns tueurs venus d'ailleurs...
Par une sombre nuit, alors qu'il roulait péniblement sur une route de campagne isolée, un plein chargement de St-Nectaire déchargeant de délicates effluves dans le coffre de sa Twingo ©, David Vincent les a vu...
"Ben oui j'avoue, je les ai vus..."
Un étrange météore se posa alors devant lui... qui prit l'apparence d'un chapiteau.
C'est alors qu'il aperçut une des créatures se diriger directement vers lui. Il était repéré. Dans sa fuite, il n'eut que le temps d'entendre une voix peu-humaine lui lancer un "Bijour missié Vincent.". Maintenant David les as vus mais dans son combat, il est seul. Personne ne le croit.
David courant bêtement devant lui, le regard hébété de celui qui confond les élephants roses avec les petits hommes verts.
... Car qui croirait un homme qui a vu des Clows venant de l'espace.
Qui plus est, des clowns tueurs messieurs-dames.
Au passage, remarquez le jeu de mot repris de l'affiche d'Alien.
Chez votre serviteur, il y en a pour tous les goûts vous disais-je plus bas. Du film auteurisant comme du pur divertissement. Pourvu qu'on y trouve l'ivresse ! Il y a même des films cultes et ce dernier n'échappe pas à la règle puisqu'on tient là un sympathique nanar des plus déjantés, culte de chez culte et surtout bien rigolo grâce à nos clowns tueurs à la mine patibulaire, au faciès mi-drôle, mi-dérangé, pure création des touches à tout de frères Chiodos, déjà responsables de Critters pour notre plus grand plaisir d'amateurs d'horreur bon marché.
Ici, c'est quasiment la même intrigue : une petite ville perdue où atterissent les envahisseurs. Et c'est là que ça en devient réjouissant au vu du Q.I de la population locale (comme quoi, on ne mesure que maintenant ô combien les années 80 bouffèrent les neurones de bien des américains perdus dans leurs trous) qui va se faire littéralement zigouiller par nos farceurs et dangereux clowns, ou plutôt transformée en barbe à papa géante, facilement transformable, facilement mangeable. Et puis plus c'est sucré, plus c'est bon. Nos clowns qui usent de mille tours pour piéger le quidam moyen dans ses filets, occasionnant des sourires bienvenus pour nos extraterrestres colorés (ils sont facilement attachants, on en tomberait vite dans le panneau nous-même. D'ailleurs, on navigue entre rire et parfois petites frayeurs). Ainsi, quoi de mieux que de jouer aux marionettes ? Nos clowns aiment aussi utiliser du pop-corn génétiquement modifié et mutant (José Bové n'existait pas encore en 1988) qui permet de suivre les proies à la trace avec un chien fait en ballons allongé quand ledit pop-corn ne se transforme pas lui-même en des espèces de clowns au long cou, très carnassiers qui peuvent surgir de n'importe où, même de votre cuvette de chiottes !
On vous aura prévenus, l'invasion à commencé. C'est le nivellement...euh... dévorage par le bas. Mais en un sens, tant mieux si ça nous débarasse de certains consommateurs.
Suivant la logique du film, les frangins poussent le délire jusqu'au bout. Les clowns sont quasiment invincibles sauf si vous leur tirez sur leur gros nez rouge. Sus au nez rouge ! Taïauuut.
Avec un budget limite (2 millions de dollars pis c'est tout), les frangins prouvent quand même qu'ils peuvent faire un sacré bon boulot, en témoigne les couloirs fluos et colorés de toute beauté du vaisseau/chapiteau spatial des clowns, les maquillages des clowns (plus vrais et effrayants que nature), les effets de latex et autres matières visqueuses (on a réellement envie de bouffer la barbe à papa). Ajoutez à celà le crétinisme fini de certains personnages, on ne demande pas mieux. Les dialogues fleurent bon le degré zéro par moment mais on s'en fiche, on jubile, on s'enthousiasme d'emblée pour ce petit film si sincère et fou. Il n'y a juste que les effets de lumière qui peuvent paraître supra-kitch mais d'un autre côté on pourrait y voir un hommage débile aux 50's pleinement assumé qui fait partie de l'ensemble (d'où le fait que j'ai invité David Vincent en guest star de cette chronique).
Un final, une sympathique série B qu'on a envie de revoir aussitôt. Tel un coup de manège enchanté.
Et hop. Vidéo-trailer.
En parlant de Clowns méchants, Nio vous conseille...
Le clown de "ça" de Stephen King est d'une autre trempe que nos dangereux rigolards même si comme eux, il vient bien d'ailleurs. Sauf que là dans la petite ville de Derry, seuls les enfants peuvent le voir, pour leur plus grand malheur puisque "ça", l'innommable, le mal personnifié dans toute sa cruauté, incarnation parfaite de tous les malaises et de toutes les peurs, ne s'attaque qu'a eux, friand de leur chair fraîche. Les adultes ne peuvent le voir car les adultes n'y croient plus, ne croient en rien et c'est fatalement ça qui les détruit. De l'incrédulité naît la peur. Or le roman se déroule sur deux temps différents : passé comme présent où nos enfants survivants de l'infect clown ne l'ont certes pas oublié et reviennent à Derry. Mais les temps ont changés et le temps de l'enfance semble parti vers les lumières mortes. L'un des meilleurs pavés du King et personnellement l'un de mes préférés du monsieur.
L'adaptation qui en a été tirée semble bien menée dans sa première partie et Tim Curry fait vraiment peur. Après dans la deuxième heure, ça vire au Z avec un "ça" en carton-pâte. L'entreprise se saborde d'elle-même et c'est dommage.
De quoi être dégoûté à vie du cirque.
samedi 3 mai 2008
The Wicker man
The Wicker man de Robin Hardy (1973)
Le sergent Howie de la police de Western Highland arrive à Summerisle, une petite île privée de la côte ouest de l’Ecosse, pour enquêter sur la disparition présumée de la petite Rowan Atkinson. Ce qui commence comme une enquête de routine devient une confrontation entre le policier dévot et les étranges coutumes et rituels ayant cours à Summerisle....
Etrange histoire que celle de ce film là, tant dans l'univers du film même que ce qui lui arriva. Un film dont l'on perdit le négatif original et dont les copies furent perdues car sur le passage d'une autoroute en construction. La légende veut aussi que du fait que sa jeune épouse Britt Ekland jouait nue dedans (oui, oui, ne vous affolez pas, je vais mettre une photo, du calme, y'en aura pour tout le monde !), le rockeur Rod Stewart essaya de récupérer toutes les copies, laissant la version censurée pour les rares pays qui purent le voir : parce qu'entre temps, le nouveau producteur de la British Lion remplaça le pauvre Peter Snell au pied levé, jeta un coup d'oeil au film, n'y comprit rien (c'est pas nouveau chez les producteurs, aurais-je envie de dire) et inquiet, décida de le sortir à rebours dans très peu de salles et à une heure tardive tout comme l'autre production de l'année du studio, "Ne vous retournez pas" de Nicholas Roeg qui connut à peu près le même sort. Résultat, aucune trace en France et d'autres pays et il fallut de peu qu'il ne passa à la trappe si Christopher Lee et Robin Hardy en personne ne tentent de le sauver en faisant une promo constante, Lee poussant même la chansonnette en plateau de télévision et déclarant personnellement qu'il s'agit du meilleur film dans lequel il joua.
Britt Ekland, future James Bond girl l'année d'après n'a pas froid aux yeux ! C'est plutôt le contraire...
Adapté d'un scénario du grand dramaturge du suspense qu'est Anthony Schaffer ("le limier" c'est lui, "Frenzy" de Hitchcock c'est encore lui), le film se propose d'être de l'aveu de Robin Hardy, un "anti-film d'horreur" dans le sens où, la Hammer finissant, ce sera un film des plus inquiétant mais non axé sur les décapitages et autres joyeuseries sanglantes en tous genre. De fait, grâce à sa formation de documentariste (d'ailleurs il est dans la même situation qu'Harvey (cf chronique de Carnival of souls) puisqu'il fit beaucoup de documentaire mais à la différence de Harvey tourna 2 autres films par la suite, à pratiquement 10 ans d'écarts. Films passés eux-aussi inaperçus au passage), Hardy se propose de restituer une ambiance plutôt bon enfant qui n'est en fait qu'une étrange façade, ce que le spectateur, aux côtés du policier bigote, comprend très vite, partagé entre l'envie de détester ce policier très coincé (on a même envie de lui donner des baffes), puis de le prendre par la suite en pitié, balotté qu'il est par tous les habitants de cette étrange île...
Pour vos vacances celtiques, adoptez la glamour attitude à "ouale-pé" près des monolithes, c'est tellement mieux.
Pour le policier arrivé ici (Edward Woodward très bon), choqué et outré par les pratiques bien libérées des habitants, il s'agit plus d'enquêter sur la disparition d'une fillette. Puis, avec le temps et le peu d'indices dont il dispose, il en vient à imaginer un assassinat collectif, comme une sorte de complot où la gamine aurait disparu au profit de cette étrange communauté qui ne se souvient étrangement même plus d'elle, comme si finalement elle n'avait jamais existé. Mais si assassinat il y a, où est le corps ? Et pour quel motif ? Plus Howie enquête, moins il ne comprend à quoi il a affaire et plus il s'enerve, plus il ne fait qu'aggraver son sort aux yeux des habitants de l'île plus ou moins dirigés par Lord Summerisle (Christopher Lee, ironique à souhait, en ayant marre de toujours porter les longues canines du Dracula de la Hammer accepta d'emblée le rôle) et plus le spectateur comprend qu'il a affaire à une véritable joute théologique entre une religion chrétienne intolérante (Howie qui représente l'autorité Chrétienne mais aussi Anglaise) et une religion païenne ultra-permissive (L'île elle-même qu'on peut voir comme des dignes représentants ecossais qui posent leur foi étrange en résistance face à l'envahisseur briton).
"Non, je ne veux pas chanter avec vous l'intégrale d'ABBA, laissez moi partir, siouplaîîîît, pitiééééé..."
On pourrait même se permettre une relecture psychanalytique (Howie représente l'autorité face à la jouissance incarnée qu'est l'île, il est donc l'image du père qui sera sacrifié et détesté par un fils oedipien en diable qui ne serait autre que le Wicker-man) au risque de dénaturer l'oeuvre, ce qu'on ne fera pas au vu de la fragilité du film. Une fragilité liée d'une part à son équilibre interne (l'oeuvre est parcourue de chansons folks magnifiques aux paroles souvent fort paillardes, enrichissant la fascination que l'on éprouve pour le film mais qui, je le reconnais, pourra laisser plus d'un spectateur sur le carreau) mais aussi à son époque (les 70's n'étaient pas toujours aussi libérées qu'aujourd'hui et le film s'inscrit pleinement dans la libération des moeurs notamment sexuelles engagées à la fin des 60's) et il était donc évident qu'on ne pouvait faire un remake à moins de tout reprendre à zéro avec un vrai respect de l'oeuvre originelle, ce qui est rare de nos jours.
"Bonjour, je suis à la recherche de ma moumoutte kidnappée dans cette île, auriez vous des indices ?"
Pourtant Hollywood, jamais en mal de se ridiculiser osa un remake avec un acteur qui déjà se coltinait une période de navets, j'ai nommé Nicolas Cage. Cage sortait alors de Next (pas vu après ce que j'ai pu lire. Dénâturer à ce point la merveilleuse nouvelle de Ph.K.Dick, faut le faire) et allait ensuite replonger avec Ghost rider dont le seul souvenir que je peut avoir de ce film (pas vu non plus mais je suis sûr qu'en toute mauvaise foi, il doit être bien fendard... Si on ne cherche pas un vrai film de super-héros hein) est un autocollant récupéré à Rock en Seine avec l'ami Edou par un jeune homme à qui l'on pardonnera d'avance, les temps sont durs pour les étudiants sans le sou. Apparemment le remake fit des scores assez pitoyables qu'il sortit directement chez nous en dvd par studio canal qui en profita pour réediter l'orginal de Hardy dans une très belle pochette qui nous change de la symétrie Mondriannenne de l'ancienne version "cinéma de quartier". Rassurez-vous, l'inoxydable Jean Pierre Dionnet (c'est un peu comme Philippe Manoeuvre ou Zégut, il faut lui couper la tête pour le voir arrêter de rescussiter) est toujours de la partie. Je termine la chronique de ce film culte (oui, oui, assurément, le terme n'est pas usurpé là) par la jaquette de la nouvelle édition.
"Come, come, it's time for your appointment with the Wicker man."
Au fait, si je ne vous ai pas parlé du fameux "homme d'osier" donnant son titre au film, c'est pour éviter, m'éviter surtout de trop spoiler, of course. Il faut voir le film vierge d'idées préconçues pour mieux en apprécier la substantifique moëlle...
samedi 11 août 2007
THX - 1138
L'Humanité vit sous terre dépendant d'une autorité qui a
proscrit l'amour et exerce un contrôle total sur la vie des
hommes. La reproduction s'opère en laboratoire et les
individus sont nommés par des numéros de série. Mais un mâle,
THX 1138 et une femelle LUH 3417 n'absorbent pas la drogue
prescrite et font l'amour. Découverts, ils tenteront de
s'échapper...
En 1970, George Lucas, étudiant fraîchement émoulu de l'université de Californie se voit approché par Coppola pour réaliser son premier long-métrage. Ce dernier a bien sûr remarqué le court métrage précédent du jeune Lucas, THX-1138 4EB, justement nominé meilleur court-métrage universitaire, et lui propose de le financer via American Zoetrope sa propre société de production là où la puissante major de la Warner assurera la distribution. Bien sûr, pas fou, Lucas saute sur l'occasion et Coppola lui donne un budget de 777 000 dollars et 77 cents (le 7 est le chiffre fétîche de Coppola il faut dire), le laissant tout à fait libre du moment qu'il ne dépasse pas son budget. De cette totale liberté, Lucas reprend son court-métrage en enlevant le "4EB", rallongeant et approfondissant le scénario déjà bien inspiré des société totalitaires et dangereuse que l'on retrouve dans la Science Fiction, 1984 et Le meilleur des mondes en étant les parfaits exemples.
Mais Lucas va aller tout aussi loin que ces deux classiques de la littérature SF, voire plus loin en portant le film a un haut degré d'abstraction, en faisant un pur objet plastique tant filmique que sonore, point de départ expérimental et anti commercial qui lui servira pourtant amplement ensuite sur Star Wars. D'abord il commence avec Walter Munch son co-scénariste et preneur de son de constituer une banque sonore : les sons doivent être la transposition de cet univers futuriste, la transposition d'un monde qui n'existe pas...Pas encore du moins puisque Lucas le place dans un futur proche, ce qui ne doit pas les empêcher d'être à la fois reconnaissables et inconnus a la fois, accentuant l'impression de malaise froid de la partition bien ambiante de Lalo Schifrin. Procédé qui resservira grandement sur Star wars (ah les fameux tirs ou le bruit du sabre laser)...
Bienvenue dans un monde où les rapports émotionnels et les sentiments sont bannis...
Ensuite bien sûr la partition de Schifrin. A cette époque, Lucas n'a pas encore rencontré Williams pour sa fameuse saga, il ne le rencontrera pas encore non plus sur son film suivant, American Graffiti, savoureuse peinture nostalgique des 50-60's et il faudra attendre 1977 et la sortie d'Un nouvel espoir, épisode IV de la saga Star Wars (qui n'avait pas vraiment de numéro il faut dire, ce n'est qu'après le succès de ce dernier que la trilogie se mettra en place...) pour que la collaboration commence alors. En 1970 pour son premier long métrage, Lucas a donc Lalo Schifrin qui suit les intentions du cinéaste a la lettre : construire une musique en accord avec un monde froid et glacé. Le compositeur crée donc des compositions ambiantes fascinantes où de courtes nappes de synthés sont portées par des choeurs féminins désenchantés avant de lentement maintenir une tension jusqu'a la fin du film où brusquement jaillit comme point d'orgue une relecture d'un morceau de Jean Sebastien Bach dans les 3 dernières minutes finales. Un effet impressionant soutenant émotionnellement la fin du film avec une majesté encore peu vue auparavant.
THX et les androïdes policiers de cette cité-état...
Plastiquement Lucas plonge le tout dans une architecture déjà existante (Orange County en Californie, où vivait encore justement un certain Philip.K.Dick. Je me demande si c'est un hasard...) mais en prenant bien soin de modifier au possible ce que la caméra filme : les cadrages changent toutes données (cadrages très Kubrickiens de toutes beauté souvent), les couleurs n'ont pas vraiment le droit d'être : ainsi le blanc domine tant géographiquement (l'étonnante pièce blanche qui sert de prison a THX ou autres "déviants" et ainsi supprime toute notion de relief : la pièce semble sans fin !) qu'humainement (l'absence de sentiments et de ressenti, les vêtements blancs). Mais surtout Lucas pousse l'abstraction le plus loin qu'il peut se le permettre. Les images de synthèses n'existent pas ? Qu'importe, on peut toujours modifier le reste ! Pour accentuer le malaise, tous les comédiens et figurants ont le crâne rasés, produits vivants d'une société qui standardise à outrance : les aliments et cadeaux sont dans des losanges de couleurs sans marque, les divertissements sont les mêmes pour tous (blagues stupides ou l'envie malsaine de voir un flic-robot corriger un pauvre être), les drogues-médicaments absorbées le sont aussi, la religion se résume a raconter a un enregistrement pré-établi et une icône de visage ayant perdu toute signification sa vie et le travail doit sûrement être le même pour les 3/4 de cette société : bosser dans une usine qui construit leur androïdes flics et anges gardiens. Une société qui se fournit elle-même le moyen de se fouetter donc.
Chaîne de construction d'androïdes-flics...
Et surtout Lucas prend bien soin de pousser l'abstraction jusqu'au scénario même : rien ne sera laissé au spectateur pour comprendre comment on/cette société a pu en arriver là (malgré de rares indices que si l'on creuse, fouttent encore plus les boules en y réfléchissant) et surtout, il n'y aura pas de "méchant". Cette société est sans émotions, sans espoir, un méchant indiquerait au possible une tentative d'humanisation et personnification du mal ce qui n'a pas lieu d'être ici. Ainsi si l'on arrêtera les poursuites envers THX peu de temps avant la fin, ce n'est pas a cause d'un quelconque ordre venant d'un possible grand manitou mais simplement parce que le budget alloué a sa poursuite a été dépassé ! De même, quand THX est jugé, ce n'est pas par une personne mais bien une communauté : "les masses pour les masses" comme le scande l'un des nombreux slogans publicitaires issus de cette monstrueuse cité blanche.
La grande scène de poursuite finale, la vitesse étant l'une des marottes préférées de msieur Lucas. Un goût que l'on retrouvera aussi plus tard sur Star Wars...
Evidemment avec un tel film poussant a bout toutes les notions narratives et filmiques tout en se réclamant une expérience tant sensorielle que filmique, on peut se douter que l'écho auprès du grand public fut catastrophique. Il le fut effectivement, la Warner subissant un taux d'audience tellement bas qu'elle confisqua les bobines pour faire des coupes dans le film, laissant Lucas profondément choqué et énervé. Il se dit par la suite que tout moyen pour échapper aux diktats des majors serait de se bâtir un empire pour avoir le contrôle total de ses films et produits dérivés. Dans la tête du jeune réalisateur allait lentement naître "Lucasfilm" (ainsi que ILM pour les effets spéciaux et "Lucasarts" pour les jeux vidéos). American Graffiti serait le moyen de montrer malicieusement patte blanche aux studios avant de pouvoir frapper un grand coup avec star wars...
Mais jusqu'en 2004, Lucas n'avait pas oublié THX, bâtissant une réelle nostalgie et affection pour son premier né trop tôt arraché de ses mains, dans sa filmographie et les produits dérivés, les initiales et chiffres ressortiraient un peu partout (pour le bonheur des fans) : Ainsi dans la guerre des étoiles, Han et Luke vont chercher Chewie dans la cellule 1138. Dans l'empire contre attaque, on envoit les patrouilles Rogue 10 et 11 au secteur 38 (hem !) alors que dans American Graffiti l'une des plaques d'immatriculation a pour numéro THX - 1138 ! Enfin n'oublions pas que THX est ensuite devenu la norme de son et d'image crée au Skywalker ranch de Lucas pour de nombreux films a haut budgets...
Les robots androïdes sans leurs tenues noires (opposées au blanc des citoyens, tiens je viens de remarquer ça, marrant...), une inspiration directe de l'androïde du Metropolis de Lang qui sera ensuite réutilisée sur C3PO...
En 2004, la Warner propose a Lucas de ressortir son premier film en version director's cut remastérisée spécial dvd et accessoirement ressortie en salles américaines (la ressortie en France en salles ne se fera qu'en 2006 et 2007). Il faut dire que depuis 70, la Warner a bien changée : de statut, de président, de buts. Ayant fusionné avec AOL et Time et s'étant bien fait du fric sur la trilogie cul-cul technolytique des frangins Wachowski, ils peuvent bien se le permettre. Lucas exulte et y'a de quoi : il peut enfin ressortir THX tel qu'il le voulait en 1970, les SFX numériques en plus.
J'en vois certain craindre le pire après les nouvelles versions de Star Wars et ils auraient tort. Star wars appelait à une surcharge tant graphique qu'émotionnelle là où THX appelle une certaine épure et le réalisateur est finalement resté bien sobre : Images restaurées, son poussé en 5.1, quelques couleurs et effets de transparence ici et là, deux trois ajouts de personnages ou créatures et baste. Comparé a la nouvelle Tatooïne grouillante de la version numérique de l'épisode IV, il n'y a vraiment pas de quoi en faire tout un cinéma.
Près de 30 ans après sa sortie, le premier film du père de la guerre des étoiles demeure encore une incroyable expérience (addictive pour certains) fascinante au possible, un vrai film d'anticipation visionnaire maintes fois repris ailleurs ("the island" de michaël Bay et ses clones tous vêtus de blanc, ça vient d'où à votre avis ?) mais finalement jamais vraiment égalé et c'est tant mieux parce qu'il est très bien comme ça et se suffit à lui-même. Je ne vois que Brazil comme lointain vrai cousin et encore...
Annexes !
* Trailer 1971 de THX :
* Trailer de 2004 :
Et sur les trois liens suivants, vous avez l'intégralité sur You Tube de son court métrage (avec "4EB") :
dimanche 29 juillet 2007
Lemming
Alain Getty, jeune et brillant ingénieur en domotique, et sa
femme Bénédicte récemment installés dans une nouvelle ville,
reçoivent à dîner le patron d'Alain, Richard Pollock, et son
épouse Alice. Cette rencontre ne sera pas sans conséquences
sur l'harmonie du jeune couple. La découverte du cadavre d'un
mystérieux rongeur dans l'évacuation bouchée de leur évier
n'arrange pas les choses et annonce l'irruption de
l'irrationnel dans ce qui était jusqu'alors une vie bien
rangée...
Pas facile de parler de ce film des plus étranges sans dévoiler forcément ce qui en fait son charme et lui confère une puissance d'éblouissement. Sur un rythme calme et hypnotique, épuré au possible (peu de musique, sauf des moments au piano, surréels), Dominik Moll filme la déchéance d'un couple dit "modèle" dans une petite mécanique huilée de précision qui se détraque impitoyablement.
Pourtant tout avait si bien commencé : cette brillante démonstration d'une mini caméra a hélice par Alain (très bon Laurent Lucas et son beau regard bleuté qui jouait déjà dans "Harry, un ami qui vous veut du bien" du même Moll) sous le regard bienveillant de son employeur (André Dussolier, pas mal dans ce rôle), et puis ce dîner, prétexte a faire plus ample connaissance. Mais la soirée dérape avec ce petit rongeur dans le conduit de l'évier mais aussi suite aux accusations énervées d'Alice (Charlotte Rampling dans une scène glaçante digne des meilleurs Bergman ou "festen"). A partir de là, les frontières entre réel et irréel se troublent imperceptiblement. Le lemming par exemple, semble revenir a la vie a rebours. Etait il vraiment mort ou pas ? Et pourquoi Bénedicte commence subrepticement a se comporter comme Alice ? Qui était vraiment cette dernière ?
Le réalisateur ne donne aucune réponse, le film reste ouvert et libre à toutes les interprétations (ce qui en fait sa richesse) et ce, jusqu'a sa fin (un peu comme le "caché" de Haneke) en oubliant pas non plus de jouer sur un humour des plus sarcastiques (la fin justement !) malgré des situations franchement inquiétantes. Et pour immerger le spectateur dans ces dernières, Moll n'hésite pas a soigner ses plans et cadrages (on dirait du Antonioni), ses effets sonores (le côté Lynch), sa musique (peu de musique mais ça se rapproche étonnemment des "études" pianistiques de Gyorgy Ligeti) et se permet même de faire des clins d'oeil a l'Art (Getty et Pollock sont des peintres modernes) et surtout au cinéma, avec notamment 2 gros clins d'oeils au regretté maître Kubrick, d'une part avec le Pollock qui semble un étrange parallèle a Pollack (qui jouait dans eyes wide shut un personnage aux motivations cachées, aussi étrange que celui que joue Dussolier ici) mais aussi en nous bombardant allégrement de la fameuse valse du Danube bleu de Strauss issue de 2001. Enfin pour parachever le clou et rappeler Shining, gros plan sur une émission que regarde Alain, où l'on voit un homme avec une hache et l'espace sonore envahis brutalement par ce bruit du bois qui se fait déchiqueter et vole en éclats...
Enfin !
Enfin, dans le cinéma français, on peut le dire sans faille, on a du vrai cinéma. Du cinéma qui ose, qui en veut, qui n'a pas peur de côtoyer David Lynch et où, inquiétante étrangeté rime avec peur et beauté.
Loin d'un cinéma franchouillard et d'une énième comédie peu drôle (le clou ayant été atteint dernièrement avec les bronzés 3, film à vomir définitivement --et si vous me trouvez dur, vous n'avez qu'a vous plaindre par un commentaire--), Moll comme ses rares congénères Haneke (Caché, petite bombe abstraite a retardement), Aja (son haute-tension, ovni dans le paysage cinématographique français) ou Olivier Marchal (pour ne citer qu'eux en exemple), ose et réussit.
Un cinéaste a suivre de très près et un film a applaudir définitivement pour l'un des meilleurs scénarios de ces dernières années. Bravo et je suis sincère, ça faisait longtemps que je n'avais pas été autant scotché par un film français.
dimanche 25 mars 2007
CCC bis.
(© Nio - 2007)
300iPOD ? Le iPOD antique pour les vrais hommes et femmes viriles de la Grèce.
vendredi 2 février 2007
Manhunter
Un tueur en série psychopathe massacre des familles lors de chaque pleine lune. Le profiler du FBI Will Graham est chargé de l'enquête. Mais, face aux perversions de son adversaire, il est obligé à demander de l'aide à un criminel qu'il avait arrêté des années auparavant : le diabolique Dr. Hannibal Lecter.
La saga de Hannibal Lecter existe depuis un petit bout de temps et elle continuera d'exister.
Voyez vous, à l'heure où je vous écris, on trouve dans le tout Paris des affiches du énième volet des aventures de notre serial killer préféré, avec Gaspard Ulliel dans le rôle de Lecter plus jeune. Il est vrai qu'Anthony Hopkins se fait trop vieux et que l'on commence à réaliser que Brett Ratner aime tourner avec ses pieds après le formidablement mou Dragon Rouge qui n'était somme toute qu'une nouvelle version du Manhunter de Michael Mann (1986). Non pardon, un remake moderne et incroyablement pète-dedans.
Une nouvelle cargaison de flatulences de notre ami Ratner donc.
Et Manhunter comment le placer dans la saga de Mr Lecter (qui n'en est pas vraiment une puisqu'il reste un personnage secondaire et un peu en retrait dans "le silence des agneaux" et ce film) ?
Je dirais avec le recul, en retrait : Ici ce n'est pas le docteur Cannibal, Hannibal Lecter (incarné avec Brio par Brian Cox et qui, personnellement me change du cabotinage sympathique mais un peu lassant d'Anthony Hopkins) qui nous intéresse même si il est fascinant (et glacial) au possible mais plus le tueur prénommé Dollarhyde...Le dragon rouge. Lecter ne joue que le rôle de passeur entre Will Graham (Petersen déjà hallucinant dans "To live and Die in L.A" de Friedkin est encore une fois de plus formidable), profiler responsable de la capture du même Lecter et Francis Dollarhyde, tueur mystérieux (Tom Noonan, génial) au dragon rouge tatoué sur la poitrine, photographie mythique qu'on ne verra jamais (c'est LA grande énigme) dans le film.
Ah si, chez Ratner. Pas de pot.
Parlons donc de Dollarhyde donc, ou plutôt du triangle de relations tissées entre Will, Lecter et Dollarhyde.
Mann évite tout manichéïsme et se débarasse des descriptions gores du livre de Thomas Harris (même si il garde quelques scènes courtes, cf photo d'après) pour se concentrer sur la psychée du chasseur et de sa proie, statuts qui s'intervertissent toujours constamment dans le film de serial Killer. Si Dollarhyde est un chasseur, il devient rapidement la proie de Graham, tout aussi dangereux par sa capacité de profiler à penser comme le tueur. Graham qui devient nettement inquiétant dans certains moments et la frontière entre lui et Lecter devient sensiblement floue, surtout quand on sait que Graham est un limier méthodique qui comme le tueur, va jusqu'au bout de ses actes (ce qui peut lui amener des problèmes, en témoigne la scène finale où il fonce tête baissée vers Dollarhyde....). Il est à noter dans le film que cet aspect inquiétant de Graham nourrit continuellement dans le film une certaine tension qui culmine dans une scène où au supermarché, le fils demande soudain à son profiler de papa si il n'a pas envie de tuer des gens parfois tellement il s'immerge dans les pensées de ceux qu'il traque.
Une des meilleures scènes du film.
Toujours dans les relations qu'entretiennent les personnages, revenons à Lecter. J'ai dit plus haut qu'il jouait le rôle de passeur , car il fournit des indices a Graham mais n'oublie pas non plus par un code spécial de prévenir Dollarhyde et de lui indiquer l'adresse de la petite famille de Will ! Lecter est ici l'orchestrateur, le maître du jeu qui se plaît a donner toutes les pistes du moment car il sait pertinnement qu'on a besoin de lui. On pourra néanmoins se demander si Dollarhyde n'est pas le prétexte qu'attendait Lecter pour se venger de Graham a travers les barreaux, d'où le fait de livrer la famille de ce dernier au Dragon rouge...
Enfin soulignons que si Graham se transforme de plus en plus dans son comportement en ce qu'il traque (une scène fugitive nous montre ce que Graham voit : les corps d'une famille peu avant le massacre avec les yeux et la bouche, nimbés de lumière. Par le scénario on sait que le tueur a décollé la rétine de ces personnes même si elles ne l'avaient pas vues dans le noir, quand à la bouche, mieux vaut ne pas y penser...), Dollarhyde suit lui un chemin inverse et Mann nous montre que même si il est un monstre, il demeure en lui des parcelles touchantes d'humanité. Ainsi sa rencontre avec Reba une jeune aveugle, avec qui il choisit de coucher et surtout d'aimer, une jeune femme qui, parce qu'elle ne le voit pas, le fascine par ce qu'elle ressent du monde par ses sens restants, tout comme lui perçoit le monde et ses victimes que par une vision si différente du quidam moyen...
Avec ce 3e film (Le solitaire en 1981 passé inaperçu, The keep en 1983 qui fit un four complet), Mann commençait à rôder son style par ce que l'on commençait juste a entrevoir dans The Keep, à travers des plans enfumés de bleus froids. Style qui se traduit visuellement par une esthétique des tons bleus (ici largement moins présents que dans les films à venir) ainsi qu' une omniprésence de l'obscurité et de la nuit (l'attaque de Dollarhyde de nuit au début du film et celle de Graham en fin de soirée) que l'on peut aussi mettre sur le compte de films ultérieurs (La scène finale de Heat...Se déroule de nuit, Collateral se déroule presque entièrement la nuit et l'attaque finale du film Miami Vice ? De nuit aussi, bingo !). Quand à l'aspect sonore, on est effectivement chez Mann : musique plus ou moins ambiant pour souligner les scènes et pop-song pas si souvent appropriées sur l'instant (on est dans les années 80, ça peut froisser, Mann se perfectionnera plus dans les années à venir...cf, les B.Os magnifiques de Heat et Ali...). Si on apprécie le fabuleux "In a gadda vidda" du groupe Iron Butterfly (morceau culte psychédélique des 70's), on sera moins tolérants sur le morceau de générique de fin, sorte de proto Phil Collins qui manquerait presque de tout gâcher...
Et puis un truc qui m'a grandement étonné, ce sont les couchers de soleils. Pour ce que j'en sais ils étaient pratiquement inexistants ou rapidement vus chez Mann. Ici on a droit à de longs plans de paysages illuminés d'un soleil crépusculaire comme rarement. Peut-être pour marquer la dualité entre la nuit, monde de ténèbres et violence et le jour ? Le soleil se couchant montrerait bien l'esprit de notre profiler, à la lisière de la transgression si on suit cette piste...
Des couchers de soleils aussi beaux, je n'en avais plus vus depuis Pat Garrett et Billy le kid de Bloody sam (Peckinpah), c'est vous dire...
Je concluerais en disant que ce film sans être le meilleur Mann ni être l'un des meilleurs se révèle très bon et résiste encore bien au poids des ans. Bref un bon film.
Annexe...
- Les sites sur Manhunter sont rares, mais ça existe. La preuve ici.
- Vous ne savez pas quelle edition dvd prendre ? Il y a un comparatif ici !
jeudi 7 septembre 2006
Following
Bill est apparemment un jeune homme ordinaire, un Londonien comme
tant d'autres. Mais Bill se rêve romancier et c'est sans doute pour
celà qu'il suit de manière quasi-obsessionnelle des inconnus repérés au
hasard de ses errances.
Où vont-ils ? Que font-ils ? Quelle est leur vie ?
Un jour, Bill suit Cobb, un fascinant dandy cambrioleur. Cobb deviendra
pour lui un ami, un mentor, un complice, un confesseur et une source
d'inspiration. Mais les apparences peuvent parfois être trompeuses et
Bill ne ressortira pas indemme de cette rencontre.
1er film de Christopher Nolan avant Memento et déjà, le sens des
cadrages ainsi qu'une histoire alambiquée mais compréhensible et celà
par le procédé que Nolan utilise. Dans "Memento", tout se déroule à
l'envers. Dans "Following", le film ne cesse de creuser d'incessants
aller-retour entre présent, passé et futur. D'une situation racontée
par le héros au présent, celà devient le passé et le film alterne
constamment les flashbacks si bien que le spectateur concentré remarque
les accumulations de détails placés ça et là (le bonhomme de bois qui
se brise, les boucles d'oreilles) qui font avancer l'histoire.
D'ailleurs chaque détail compte dans cette histoire d'arroseur-arrosé
et l'on se prend rapidement au jeu de ce polar au nombre limité des
acteurs.
Nolan exploite le peu de lieux et de moyens avec une économie assez
rusée, refaisant jouer la caméra dans des endroits déjà vus (mais sur
une strate temporelle différente de quelques jours, semaines, mois) et
l'emploi du noir et blanc du petit budget inscrit d'un coup le film
dans le registre du film noir.
Pour son premier film, le britannique faisait déjà fort puisqu'il reçu
le 1er prix au festival international de Roterdam en 1999.
Premier film qui laissait entrevoir le coup de maître de "Memento" peu de temps après...
lundi 12 juin 2006
La part des ténèbres
Voici une petite association sympathique entre 2 maîtres de l'
horrifique, j' ai nommé Stephen King pour l'un, George A. Romero pour
l' autre.
La part des ténèbres s' inscrit dans une thématique chère à King, la
perte du contrôle, sur sa vie, sur les évènements et l' horreur
crescendo. Le livre à la base semble lui-même une extension d'une
nouvelle pourtant parue après("Vue imprenable sur jardin secret") où
King à déjà mis concentré tous les élèments en place comme il le dit
dans "minuit 2" :
"Il y a quelques années, j' ai publié un roman, "Misery", dans
lequel j' ai essayé de décrire au moins en partie, le haut degrès d'
emprise que peut atteindre la fiction sur l' esprit du lecteur. L' an
dernier, j' ai publié "la part des ténèbres", effort pour illustrer
l'inverse : le degré d' emprise que peut atteindre la fiction sur l'
auteur. Alors que ce dernier livre était encore à l' état de brouillon,
j' ai commencé à penser qu'il existait peut-être un moyen de raconter
les deux histoires en même temps, en abordant certains des élèments de
l' intrigue de "la part des ténèbres" d'un point de vue totalement
différent. Ecrire, me semble t'il, est un acte secret --autant que
rêver-- et c'était là l'un des aspects de cet art étrange et dangereux
sur lequel je ne m' étais jamais beaucoup attardé"
Le film de Romero illustre bien l' étrangeté pourtant commune à la
nouvelle "Vue imprenable sur jardin secret" et "La part des ténèbres"
puisque dans les deux (3 en comptant le film) cas, un être fictif
revient d'on ne sait où pour accuser réparation donc se venger.
L' histoire : L'écrivain Thad Baumont désire prendre quelques
distances avec les romans d'horreur et plus particulièrement avec
George Stark, le pseudonyme sous lequel il écrit. Baumont décide alors
de mettre en scène l'enterrement de George Stark et, par la même
occasion de s'offrir un peu de publicité. Mais lorsque les gens de son
entourage meurent dans des circonstances horribles, et que ses propres
empreintes figurent sur les lieux des crimes, Baumont comprend que
Stark a une vie propre... et qu'il est bien décidé à se venger...
Dès les premiers plans on comprends qu'on est chez Romero. L' horreur
même gore (ohhh pas tant que ça, on est pas chez "Zombies" msieur dames
non plus. En fait seuls le début et la fin choquent et marquent de par
les plans parfois extrêmes) y est intellectualisée presqu'a outrance.
Et qu'importe si Romero ne peut pas ici faire dans la critique sociale,
on ne comprend que trop bien ce qui l'a attiré sur le projet : le thème
de l' identité, du double, de la folie.
Sans trop dévoiler le film, Thad a bien en effet sa part de ténèbres,
qu'il admire au début avant de lentement déchanter. Le pseudonyme qu'il
avait pris pour écrire ses histoires mi-gores, mi-cochonnes (hmm, qui a
dit Stephen King ?) représente une certaine image sans
concession de l' homme viril presque cow-boy qui sans non plus faire
dans le Eastwood reste très monolithique. Et cet être au départ, qui n'
est seulement qu'un nom s' avère aussi commencer à avoir une vie propre
dès que Thad essaye de le "tuer" , un peu comme l' écrivain de Misery
décidait de se débarasser de son héroïne pour enfin faire autre chose.
Sauf que c'est contraint et forcé qu' au départ il décide d' éliminer
george Starck avant de lentement s' apercevoir de son erreur.
Bien sûr il hésite lentement mais poussé par les gens et même enterrant
en grande pompe son pseudonyme, il le regrettera en lui même tant
Starck semblait proche de lui, et pour cause, c'est sa part sombre,
tellement sombre qu' elle ne peut que venir des ténèbres, un peu comme
ces oiseaux qui sont toujours là quand il écrit dans une sorte
de transe. Mais est ce vraiment lui qui écrit ? Ne serait ce pas George
qui lui dicterait par la pensée ?
Pas une grande adaptation de King ni un grand Romero mais un film sympathique avec 2,3 grands moments et de bonnes idées.
Il n'y a pas de bonus si ce n' est dvd mgm oblige, la bande annonce,
même pas sous titrée. Les langues anglais, français, allemand et
espagnol proposent toutes une bonne piste stéréo 2.0 (ouf on échappe au
mono propre hélas aux Woody Allen snif).
Sous titres anglais, allemand, suédois, norvégien et danois. Pas de
sous titres français ce qui semble étrange... Amis fans des V.O, vous
devrez vous contenter de sous titres de la langue de Shakespear...
lundi 5 juin 2006
Donnie Darko
Donnie (de son vrai nom Donnie Darko)
n' est pas un adolescent comme les autres. En échappant à un accident
--un réacteur d' avion écrasant sa chambre au moment où, victime d'une
crise de somnanbulisme il entend une étrange voix qui l' appelle-- il
se fait un nouvel ami imaginaire nommé Frank. Mais Frank n' est
pas le genre de personne que l' on pourrait/aimerait croiser dans les
rues...
Sous les traits d'un énorme lapin au masque métallique
effrayant, il force Donnie à faire toutes sortes d' actions tout en lui
révélant que la fin du monde est prévue d' ici 28 jours 6 heures 42
minutes et 12 secondes....
Récompensé au festival de Gerardmer (premier film mr Kelly et déjà un prix, bravo. Vous êtes attendu au tournant pour le second film, Southland Tales...), voilà un film qu' on pourrait qualifier de Lynchien. D' ailleurs on peut y faire un rapprochement certain avec Muholland Drive. Le réalisateur (qui a aussi écrit le scénario) manipule si bien le spectateur que le film fusionne en une seule matrice entre réalité, illusion et rêve...
La grande force de ce film c'est qu' il constitue un puzzle (une toile qui piège aussi bien Donnie que le spectateur) permettant plusieurs visionnages et niveaux de réalité. Chacun à l' opportunité de pouvoir donner sa propre interprétation, tout comme un film à la Lynch ou "2001" de Kubrick. Le réalisateur lui même le dit dans l' interview du DVD : le film est à revoir plusieurs fois pour assembler toutes les pièces, tous les détails importants et presque tout indice si minime soit-il l' est par ailleurs.
Le spectateur part ainsi de son propre questionnement sur une des pistes (la principale étant celle qui arrive tout de suite en tête dès qu' on voit le film : "Ils ont le réacteur, d' accord, mais... Où est l' avion ?") pour dérouler un petit fil rouge qui l' amènera à sa propre explication.
L' autre richesse du film --outre sa mise en scène, son montage (un peu serré mais comme le dit Richard Kelly, il fallait que tout rentre en 2h d' où une vingtaine de scènes coupées à découvrir sur le dvd...Certaines apportant des réponses, d' autres un peu accessoires) et sa réalisation--, ce sont ses thèmes abordés : la fin d' une époque (la fin des 80's et de l' époque Reagan avec les élections naissantes de Bush senior et Dukakis), les programmes d' éducation (assez débiles et lobotomisants) des écoles, la famille, la société et son implosion (un peu comme dans American Beauty : si on gratte le vernis de la société américaine, il y a des trucs pas très puritains dessous...), la vie d' un adolescent sensible et trop décalé pour s' insérer en société enfin du moins dans une culture de masse, L' amour, les voyages spatio-temporels, la solitude et la mort....
Et puis bon côté musique, on a Tears for Fears relooké ("mad world") ainsi que Joy Division ("Love will tear us apart" qui ironiquement préfigure les 6 dernières heures tragiques, mais j' en dis pas plus, il suffit d' écouter Joy Division et les paroles pour comprendre. Tiens tenez, je vous donne une petite piste-indice en plus...) dans la musique du film sans oublier Duran Duran et plein d' autres chouettes choses (Echo and the Bunnymen par exemple. Tiens Bunny, ça vous évoque pas un lapin...? ^_^) alors ça ne peut qu' être bien !
Comme je le dis dans mon petit dessin en clin d'oeil/mini hommage ci dessous, Donnie Darko est le "Twin Peaks" des années 2000...
